今天還看Andy Warhol，我們仍有什麼可以討論？可以說？
隨著安迪．華荷美術館（The Andy Warhol Museum）將其藏品帶到亞洲作巡迴展覽。由去年底至本年初，不論是私營的藝術空間，還是「官方」的香港藝術館，也突然吹起鼓「華荷熱」來。兩個展覽重要的展覽，分別是奧沙（Osage）的《Hello It’s Me, Goodbye: Andy Warhol’s Cinema》及香港藝術館的《安迪華荷 十五分鐘的永恆》，作品橫跨五十年代至八十年代。兩個藝術空間，作品的類型、展示方式，都予人一種南轅北轍的觀感，前者展出的是罕有的電影作品，後者是大眾普遍認識華荷的普普藝術（Pop Art）。
從兩個展覽的標題中，可看到華荷與「時間」有點關係，這些曾經是活在當下的作品，對於今天來說都成為了「過去」。而我想談的是，藝術空間需要再次展示這些「過時」的當代藝術作品時，他們要扮演著一個什麼的角色。或許會令許多人感到錯愕，當代藝術已經夠難懂，為何還要將討論投放到藝術空間，而不在作品的詮釋上？這正因為藝術空間的角色，左右了大眾如何認知當代藝術，尤其是一些成為了「過去」的當代藝術。當代藝術的範疇中，作品與其時代背景等有著環環相扣的關係，如果純粹展示作品，實在沒有多大的討論空間。安迪．華荷作品的藝術性，並非建基於美感的表達上，尤其是他所創作的網印本，從作品的視覺元素而論，真跡與膺品其實分別不大，作品的重要性，在於他對當時藝術生態及市場的玩味回應及對藝術的實驗。觀眾不能跟著大顆兒看過如《金寶濃湯罐》、《瑪莉蓮夢露》等真跡，就能突然恍然大悟地說：「啊！原來作品的精髓就是這樣」；或是單單一句「Pop Art」，或是「人人都可成名十五分鐘」便能籠統地概括。要展出這一類作品時，藝術空間和美術館能讓觀眾所看到的是「屬於歷史的藏品」，還是「當下的作品」；希望作品得到「再生」，還是著重時代背景的交代，成為了的一大課題。或許剛巧遇上兩個不同的展覽，正好交給觀眾取捨。
香港藝術館的展覽屬一種知性的展示模式，內容也夠豐富。相比過往的專題展覽，這次展出的作品可算得上海量，分佈在兩個展館內，策展人需處理如何展示大量的作品，以及顧及觀眾層對於藝術的不同認知與期望，故此，展覽採取的是一種較保守的策展方向：按藝術家的生平，以不同的年份來劃分，突顯其創作的幾個特點。同時，場地處理及展品的種類中加入了不少噱頭與策略， 觀眾第一眼所看到的，是較少人所認識的裝置作品《silver cloud balloons》，展出新加坡站中沒有展出過的《毛澤東》，還有關於香港的《時間廊》，還將展示錄像的空間裝潢成「銀色工廠」，這些元素也能吸引到不少人的注意力。兩個展館就容納了五十年代到八十年代差不多三十年的創作流變，觀眾彷彿看到一個藝術家的創作微縮，讓觀眾很容易認識到藝術家的發展歷程，但對當時的時代背景及藝術生態，還是一個空洞的概念，甚至讓人錯覺「Pop Art 就是這樣子」的片面觀念。
還看奧沙的展覽，所展出的只有他六十年代的錄像作品，一直以來，他的錄像創作較少人認識，這與其表達手法與罕見程度不無關係。相比藝術館的處理手法，可見奧沙對其錄像作品的重視，由於對象觀眾層屬於對藝術有認識的一群，因此可採用較為深化的展示方式，將作品重新地再現出來。它無須用大量的間隔與裝潢風格來交代與劃分不同的作品。然而，兩者最大的分別，在於展示的佈置中，透過後加的軟墊或裝置，讓電影成為獨立的裝置作品，觀眾無須找回當時的語境並讀，而是把電影當成「新作品」看待。
展覽中的入場觀展的人次，並不能全然地反映出該展覽的可觀程度。也不是佈置堂皇，就代表著展覽之成功。還記得去年到德國法蘭克福的the SCHIRN and the Liebieghaus Skulpturensammlung看Jeff Koons展覽，部分作品放置到不同的文物或古典藝術中，你穿插其中，在新舊的比讀下，所看到的Jeff Koons 作品，不但具體地感受到他的作品與傳統藝術的關係，並列的展示方式亦有效地衍生出一種新的意義及詮釋空間，更了解到當時Jeff Koons 的創作構思，作品在這種新舊並列的展示中付予了新生命。回想香港，先不談各文化政策及機構所帶來的種種限制，我們的「官方」機構，到底要何時才能看到這種策展的視野、勇氣與嘗試？
Hello It’s Me, Goodbye: Andy Warhol’s Cinema
2012年12月16日 至2013年2月14日．奥沙觀塘
安迪華荷 十五分鐘的永恆
2012年12月26日至2013年3月31日．香港藝術館
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